Actualités des membres
FAB Paris La biennale
FRANCK ANELLI FINE ART
Du 21/11/2024 au 27/11/2024
La biennale FAB Paris du 21 au 27 novembre 2024-Le grand palais
Formes Simples
Alexis Lartigue
Du 14/10/2024 au 23/11/2024
Formes Simples rend hommage aux formes géométriques fondamentales qui ont profondément influencé l’art moderne. Elle présente une sélection d’œuvres historiques d’artistes tels que Sophie Taeuber-Arp, Josef Albers, Max Bill, Carl Andre, Sol LeWitt ou encore Robert Mangold. Ces artistes, par leur exploration des formes, ont significativement marqué l’histoire de l’art des années 1940 à nos jours.
Formes Simples invite les visiteurs à plonger dans l’essence de l’abstraction géométrique, en examinant comment les formes élémentaires : cercles, car- rés, triangles et lignes, ont été utilisées pour exprimer des concepts et des émotions universels. L’exposition met en lumière la pureté et la précision de ces formes, tout en explorant leur pertinence et leur impact durables sur les pratiques artistiques contemporaines. En retraçant l’évolution de l’abstrac- tion géométrique, Formes Simples reflète comment ces éléments de base ont été interprétés, réinterprétés et transformés au fil des décennies, continuant d’inspirer des générations d’artistes.
Anne-Hélène Decaux, Historienne de l’Art
FAB Paris 2024
08/10/2024
En 2022, Fine Arts Paris & La Biennale, le nouveau salon issu de l’alliance des deux entités, Fine Arts Paris, jeune salon prometteur né il y a cinq ans et La Biennale des Antiquaires, créée en 1956 sous la houlette d’André Malraux, est devenu le plus bel évènement international à Paris pour les arts de l’Antiquité à nos jours.
Le salon propose un programme mondain et culturel de haut standing, avec un dîner de gala organisé par le SNA, un comité d’honneur rassemblant des personnalités extérieures ambassadrices du nouveau salon, et une Semaine des Beaux-Arts, parcours hors-les-murs en synergie avec les musées.
Façade du Grand Palais de nuit © Mirco Magliocca pour GrandPalaisRmn, 2024
Didier Aaron / Franck Anelli Fine Art / Applicat-Prazan / Artimo Fine Arts / Galerie Ary Jan
Helene Bailly / Galerie de Bayser / Galerie de la Béraudière / Galerie Bernard Bouisset / Nicolas Bourriaud / Brame & Lorenceau / Brun Fine Art
Jean-François Cazeau / Galerie Jean-Christophe Charbonnier / Ana Chiclana / Lydia Courteille / Galerie Cybèle
Galerie Michel Descours / Galerie Desmet / Miriam Di Penta Fine Art
Yann Ferrandin / Galerie A&R Fleury / Galerie David Ghezelbash / Galerie Michel Giraud / Galerie Hurtebize
De Jonckheere / Kent Antiques / Galerie Kevorkian
Lancz Gallery / Galerie Léage / Jacques Leegenhoek / David Lévy / Galerie Louis & Sack
Galerie Monbrison / Galerie Montanari / Galerie Najuma (F.Miliani) / Opera Gallery
Alain Pautot / Pelgrims de Bigard / Galerie Alexis Pentcheff / David Pluskwa / Paul Prouté
Maison Rapin / Galerie Ratton – Ladrière / Robertaebasta / RX&SLAG
Galerie de Souzy / Steinitz / Bruno Sugères / Galerie Taménaga / Galerie Tarantino
Univers du Bronze / Maurice Verbaet Gallery / Galerie Florence de Voldère / Whitford Fine Art
HUR KYUNG-AE
GALERIE BERES
Du 26/09/2024 au 31/10/2024
Nous sommes heureuses de présenter l'artiste franco-coréenne Hur Kyung-Ae pour la deuxième exposition personnelle à la galerie Berès.
Dreamed of a world for themselves - Hungarian artists in the 100-year history of Surrealism
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 12/09/2024 au 31/10/2024
The Kálmán Makláry Fine Arts Gallery is celebrating the centenary of one of the most defining art movements - Surrealism, with a unique group exhibition. The exhibition titled 'Dreamed of a world for themselves - Hungarian artists in the 100-year history of Surrealism' is a selection from the collection of Kálmán Makláry. It commemorates those artists who, as Hungarians, but in a foreign land, preserved their Hungarianness and created their works as part of universal Surrealism. The Surrealist movement began in 1924 with André Breton's writing The Manifesto of Surrealism, in which he defined the essential features and methods of the movement, and was joined by artists such as Max Ernst, Salvador Dali and René Magritte. Artists longing for freedom left their homeland moving in Paris or in other areas of France, where they connected to the Surrealist movement. There through direct spiritual or material influences they created a part of their oeuvre in their unique interpretation. The exhibition of the KMFA Gallery presents key works, whose counterparts enrich the collection of the Pompidou Center and are currently featured in the museum's large-scale exhibition, which opened on September 4. The paintings, graphics and sculptures of artists such - Judit Reigl, Simon Hantai, Tibor Csernus, István Sándorfi, Klausz Ernst, Tibor Dengyel, Gábor Peterdi, Paul Kallos, Géza Szóbel, Anton Prinner, László Méhes, Böhm Lipót, Henri Nouveau, Étienne Beöthy, Étienne Hajdu, Lajos Barta, Agathe Vaito, László Szabó, and Katalin Sylveszter - offer admission to the world full of imagination and beyond reality that they have dreamed of.
OPUS - ANCIENT ARTS | 18 - 22 /09/2024
11/09/2024
Ne manquez pas l'édition 2024 de OPUS - Ancient Arts, une occasion de découvrir des œuvres exceptionnelles et de rencontrer les passionnés d'art ancien, qui se tiendra cette année dans l'Espace Commines (17 rue Commines, Paris 3e).
La foire accueillera neuf galeries dont cinq membres du SNA :
Galerie Cybele / Galerie Cahn / Galerie Kevorkian / Galerie Meyer / Galerie Tarantino
Le 23ème Parcours des mondes : 10 - 15 septembre 2024
20/08/2024
Salon international le plus important consacré aux arts d'Afrique, d'Océanie, des Amériques, d'Asie et à l'Archéologie, le Parcours des Mondes rassemble cette année plus de soixante galeries spécialisées, dont seize galeries membres du SNA :
GALERIE AFRIQUE - ALAIN DUFOUR / CLAES GALLERY / GALERIE ENTWISTLE / GALERIE YANN FERRANDIN / GALERIE FLAK / GALERIE FRÉDÉRIC ROND / GALERIE PATRIK FRÖHLICH / BERNARD DE GRUNNE / GALERIE PATRICK & ONDINE MESTDAGH / GALERIE MEYER / GALERIE MONBRISON / MONTAGUT / GALERIE LUCAS RATTON / ADRIAN SCHLAG / DAVID SERRA - FINE TRIBAL ART / VOYAGEURS & CURIEUX
Saint-Germain-des-Prés, quartier des Beaux-Arts, Paris
LE NOIR AU SIÈCLE DES LUMIÈRES
GALERIE PELLAT DE VILLEDON
Du 09/06/2024 au 30/06/2024
La Galerie Pellat de Villedon présente une exposition inédite intitulée « Le noir au siècle des Lumières ». Visible du 9 au 30 juin 2024, cet évènement se déroule dans les espaces d’exposition de la Galerie dans son hôtel particulier, l’Hôtel de Bouillon. Situé à quelques pas du château de Versailles, c’est un véritable écrin pour découvrir la collection de mobilier et d’objets d’art de la Galerie Pellat de Villedon.
Le noir est une couleur méconnue dans son utilisation au XVIIIe siècle. En effet, ayant une réputation austère tournant autour des thématiques du deuil et de la rigueur dans nos esprits, cette couleur ne manque pourtant pas d’histoire. Après une approche historique de ce pigment, les visiteurs exploreront les différents matériaux qui représentent le noir. L’ébène et les bois noircis, la laque et le vernis Martin et le bronze seront ainsi mis en avant tant dans leurs aspects esthétiques, historiques, leurs secrets de fabrication ou d’origine que dans la compréhension de leur présence dans les intérieurs XVIIIe. Nous nous interrogerons de plusieurs manières : comment et de quelles façons une telle couleur a-t-elle fait son entrée dans les plus beaux intérieurs du siècle des Lumières ? Quelles influences sont venues l’intégrer dans (ces espaces ?)?
Puis nous nous attarderons à montrer aux amateurs la dimension esthétique et décorative. Ils pourront observer que le bronze doré a par exemple été utilisé pour mettre en valeur le noir au XVIIIe siècle. La notion d’intérieur aussi sera abordée, puisque nous nous amuserons à faire découvrir aux visiteurs différents espaces connus ou moins connus qui présentent des œuvres noires de notre période de prédilection, intérieurs contemporains ou non (allant de décorateurs en couturiers, en passant par chez des particuliers célèbres). Nous remarquerons finalement que la couleur noire est associée au luxe tant au XVIIIe siècle qu’aujourd’hui.
Le noir sera présenté à travers ce parcours par des objets originaux de qualité. Une sélection de meubles et d’objets seront réunis à cette occasion : des commodes, un cabinet, une table à jeux, des pendules, des presse-papiers, etc. De cette manière, la démarche de la Galerie est de proposer une exposition innovante, avec le regard neuf du XXIe siècle. L’exposition a donc pour objectif principal de faire redécouvrir cette époque si riche en art décoratif, un angle nouveau, un angle encore jamais, nous semble-t-il, abordé.
Parure Animale
Galerie Subra Woolworth
Du 06/06/2024 au 05/07/2024
Bijoux anciens dédiés au thème animalier en dialogue avec les créations contemporaines de Chloé Valorso.
Emblème ou totem, fantastique ou sauvage, familier ou exotique, l’animal peuple notre imaginaire et nos fantasmes depuis la nuit des temps. La figure animale, symbolique ou représentée, est sujet à de multiples interprétations selon l’évolution de l’iconographie et l’iconologie à travers l’histoire, la connaissance, les sciences et les arts, dans les différentes régions du monde. L’animal est une source d’inspiration et de fascination qui ne s’épuisent jamais.
« Parure animale » résonne comme un éloge, autant à ces artistes et artisans qui ont magnifié leurs sujets, qu’à ce fabuleux bestiaire qui convoque tendresse et émerveillement.
Simon Hantaï : Peintures de 1950 à 1981
Alexis Lartigue
Du 24/05/2024 au 29/06/2024
Simon Hantaï, Peintures de 1950 à 1981, une retrospective immersive dédiée à l’un des artistes les plus novateurs du XXe siècle. À travers ses œuvres, Simon Hantaï a redéfini les frontières de la peinture, explorant sans cesse les possibilités offertes par l’acte de plier la toile avant d’y appliquer la couleur. Cette technique, qu’il a perfectionnée tout au long de sa carrière, est au cœur de sa démarche artistique et a donné naissance à des œuvres d’une force visuelle et émotionnelle incomparable.
L’exposition se déploie en plusieurs sections, chacune consacrée à une période ou à une série emblématique de l’artiste, de ses premiers essais dans les années 1950 à ses œuvres majeures des séries “Mariales”, “Panses”, “ Aquarelles “ et “ Tabulas “. L’évolution de la pratique de Hantaï, est marquée par une quête incessante de renouvellement et par une profonde réflexion sur le rôle du hasard et de la maitrise dans le processus créatif.
30 ANS. Les trente ans de la Galerie Canesso. Quand le passé tisse les fils du futur.
GALERIE CANESSO
Du 16/05/2024 au 28/06/2024
AU TEMPS DES ABSTRAITS
GALERIE BERES
Du 25/04/2024 au 30/06/2024
Alain de la Bourdonnaye, né le 1ᵉʳ mai 1930 à Paris et mort le 28 mars 2016 à Paris, était un peintre, graveur, éditeur et imprimeur français.
Ami de Vieira da Silva et Árpád Szenes, La Bourdonnaye s'identifie à l'abstraction lyrique des années 50 jusqu'à la fin des années 70.
Ses tableaux de cette période sont construits dans la parfaite économie des moyens, peints à l'huile et au couteau en évitant même la rutilance de la matière. Les grands paysages lumineux aux déclinaisons grises subtiles et oscillant entre abstraction et figuration, restent le fil rouge de toute sa recherche picturale.
La galerie Berès exposera ce printemps ses œuvres dont des livres illustrés, avec celles de ses amis intimes, les « champions de la Jeune Peinture Française*»: Martin Barré, Olivier Debré, Pierre Dmitrienko, Jacques Germain, Etienne Hajdu, Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Nicolas de Staël, Arpad Szenes, Vieira da Silva et Zao Wou-ki. L’exposition « Alain de la Bourdonnaye et ses amis » sera présentée au 25 quai Voltaire et au 35 rue de Beaune, Paris, 7ème.
PARIS TRIBAL 2024
GALERIE AFRIQUE
Du 23/04/2024 au 28/04/2024
Nous serons heureux de vous accueillir lors de cette prochaine édition du Paris Tribal 2024.
Nous vous présenterons parmi une fine sélection d'objets de grandes qualités, de rares et inédites sculptures de la culture Oromo d'Ethiopie dans le cadre du parcours thématique des "Objets Inattendus"
Jean Prouvé, Maison Les Jours Meilleurs, 1956
GALERIE PATRICK SEGUIN
Du 15/03/2024 au 20/04/2024
Soixante-dix ans après le célèbre appel lancé par l’abbé Pierre, la GALERIE PATRICK SEGUIN a le plaisir de présenter « Jean Prouvé, Maison Les Jours Meilleurs, 1956 » : une exposition immersive consacrée au pavillon conçu par Jean Prouvé à la demande de l’abbé Pierre.
Dénommée avec optimisme « Les Jours Meilleurs », la maison de 57 m2 est présentée en février 1956 sur le Quai Alexandre-III en février 1956, dans le cadre du très populaire Salon des arts ménagers. Montée en moins de 7 heures, cette architecture préfabriquée entièrement démontable s’appuie sur le procédé « à noyau central porteur » mis au point par Prouvé au début des années 1950.
À l’occasion de cette exposition, la Galerie Patrick Seguin présente les éléments principaux de cette maison industrialisée : le bloc domestique porteur, entièrement équipé et rétabli dans sa fonction d’origine, la poutre faitière de près de 9 mètres de long et les 4 types de panneaux (fenêtre, porte et pleins) tandis que le visiteur, équipé d’un casque de réalité virtuelle, est invité à découvrir le pavillon dans son intégralité tel que lors de sa première présentation au public sur les bords de Seine en 1956.
Un corpus rassemblant archives, photographies et documents d’époque complète l’expérience et offre ainsi la possibilité de revivre un moment-clé de l’histoire de l’architecture du XXe siècle.
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FAB, Fine Arts La Biennale PARIS
GALERIE EBERWEIN
Du 22/11/2023 au 26/11/2023
FAB PARIS, né de l’alliance entre Fine Arts Paris & La Biennale, s’installe en 2023 au Grand Palais Éphémère.
Seul événement international à Paris consacré aux arts pluridisciplinaires de l’Antiquité à nos jours, le salon s’étendra sur 9 000 m2 pour présenter “tout l'art du monde sous un même toit”.
Des œuvres représentatives de toutes les disciplines et de toutes les époques y seront rassemblées : des pièces archéologiques et de la joaillerie à l’art moderne et contemporain, en passant par les arts premiers, les beaux-arts, les objets d’art et le design.
FAB Paris réunira 110 galeries prestigieuses de 14 nationalités différentes dans un lieu emblématique au cœur de Paris, centre mondial de l’art, de la mode, de la gastronomie et de la culture.
Géza Szóbel - a hungarian artist from École de Paris
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 14/11/2023 au 08/12/2023
Antike in Basel
GALERIE EBERWEIN
Du 09/11/2023 au 12/11/2023
Des exposants de renommée internationale présentent une sélection d’œuvres d’art provenant des grandes civi- lisations de la Méditerranée - et au-delà. Depuis le succès de son lancement en 2017, l’exposition bénéficie d’une attention internationale et est une référence dans l’agen- da culturel de Bâle. Nous le devons tout particulièrement à notre fidèle clientèle cultivée.
Exposition « La Libération de Paris vue par les photographes de LIFE Magazine »
GALERIE MEYER OCEANIC & ESKIMO ART
Du 02/11/2023 au 25/11/2023
Une Exposition présentée par la Galerie Daniel Blau
« La Libération de Paris vue par les photographes de LIFE Magazine »
Du 2 à 25 novembre
Vernissage le 2 novembre 17 - 21 h
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L'occupation de Paris pendant la Seconde Guerre mondiale a été une période sombre et éprouvante pour la ville et ses habitants. Sous le contrôle des nazis pendant quatre ans, Paris et ses citoyens ont enduré des privations et vécu dans une peur constante. Le 25 août 1944, les Parisiens se sont soulevés contre les forces d'occupation. La ville est enfin libérée et les résistants, aux côtés des forces alliées, défilent triomphalement dans les rues. De retour à Paris, Charles de Gaulle prononce à l'Hôtel de Ville son fameux discours devant une foule de Parisiens en liesse "Paris outragé ! Paris brisé ! Paris martyrisé ! mais Paris libéré !". Une allocution improvisée qui célèbre la libération de la ville et appelle à l'unité nationale. Robert Doisneau, Henri Cartier-Bresson, Bert Brandt, Andy lopez ou encore Robert Capa étaient présents, et ont documenté avec précision la transformation de la ville d'un lieu d'oppression en un lieu de liberté. Les événements de cette libération historique ont été capturés dans une série d’images expressives par les photographes du magazine LIFE. Ces photographies ne sont pas seulement des images figées dans le temps, elles témoignent de la résilience et du courage du peuple de Paris.
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OEUVRES CHOISIES
GALERIES NICOLAS BOURRIAUD
Du 13/10/2023 au 01/12/2023
C’est un grand honneur pour moi de vous donner la primeur de notre plus belle sélection d’œuvres en ce mois d’octobre 2023. L’éclectisme est certainement notre marque de fabrique, et je suis heureux de vous proposer aujourd’hui un ensemble de vingt sculptures animalières et figuratives des XIXe et XXe siècles. Le romantisme est représenté par la statuaire d’Antoine-Louis Barye (1795-1875) dont nous présentons deux bronzes dont Thésée combattant le Minotaure (première version) (1843), provenant d’un célèbre marchand d’art lyonnais du milieu du XIXe et d’une exceptionnelle qualité de fonte. L’engouement de ce siècle pour l’exotisme, est représenté ici par un bronze atypique de Christophe Fratin (1801-1864) Éléphant, promenade en palanquin (circa 1850) ; un modèle ambitieux qui peut être considéré à juste titre comme l’un de ses chefs d’œuvre. Il nous donne à rêver des fastes de l’Inde des rois : ceux qui avaient l’honneur de siéger dans ces palanquins étaient les maharajas, chefs religieux, militaires et politiques, mais aussi protecteurs et mécènes des arts. Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875) quant à lui, est évoqué par Ève après la faute (1871), terre cuite d’édition à patine rosée, signée « JB CARPEAUX », datée 1872. Il n’en existe que neuf exemplaires répertoriés et l’empreinte est ici d’une formidable vigueur. D’Auguste Rodin (1840-1917), nous exposons un Masque de l'homme au nez cassé, version dite de type II, 2ème modèle, (1863-1864) dont le sculpteur disait « C’est la première bonne sculpture que j’ai faite [...] Je n’ai jamais réussi à faire une figure aussi bonne que le Nez cassé ». Notre version a été conçue vers 1903, cette épreuve en bronze fondue en novembre 1926. De son ami, Jules Desbois (1851-1935) une superbe Salomé, provenant de la collection Robert de Rothschild. Le sculpteur possède son propre musée à Parçay-les-pins, près d’Angers.
Abordons maintenant les animaliers du XXe siècle, parmi eux : Josette Hébert-Coëffin (1908-1974), honneur aux dames, et ses charmants Canetons accoudés (circa 1955), Gustave Hierholtz (1877-1954) Éléphant arrachant une souche (circa 1940) et Georges Hilbert (1900-1982) avec son Chimpanzé, à l’expression familière et attachante, replié sur lui-même, semblant extrait d’un bloc de pierre. Il synthétise à lui seul les influences conjointes de Mateo Hernández et de François Pompon. Rembrandt Bugatti (1884-1916) quant à lui, nous fascine toujours par son exceptionnel talent ; il nous livre ici un Éléphant d’Asie en marche (petit modèle 1909-1910) dont son fondeur attitré Hébrard, a réalisé sous le contrôle d’ Albino Palazzolo, une fonte exceptionnelle doublée d’une remarquable patine brune chaudement nuancée.
On ne saurait terminer cette liste non exhaustive, sans parler de ce sculpteur délicat et discret Manuel Martinez Hugué ditManolo (1872-1945) et sa Femme nue accroupie (1912). Sculpteur protégé d’Henri Kahnweiler, ce dernier l’a fait travailler sous contrat à partir de 1910. De la même période, Les fils de Caïn : le berger de Paul Landowski (1875-1961). Jeune, nu, il figure l’Humanité des premiers âges, les tribus nomades du désert, la marche éternelle des peuples sur le sable et sous le ciel. D’un pas rythmé, d’un pied allègre, il semble résolument se mettre en marche vers l’avenir. Tel est mon souhait pour cette seconde édition d’ Œuvres choisies, dans notre galerie du 1, quai Voltaire.
Nicolas Bourriaud
Le Verre, une histoire Italienne. 100 ans de pièces iconiques
MAISON RAPIN
Du 12/10/2023 au 18/11/2023
L’histoire du verre moderne comme on la conçoit aujourd’hui commence à Murano en Italie à la fin du Moyen Age sous l’impulsion du génial maître verrier Angelo Barovier. Les secrets de fabrication jalousement gardés par la république de Venise vont asseoir la domination de l’Italie dans cette industrialisation naissante, et ce jusqu’au XVIIème siècle. A partir du XIXème, c’est l’Europe entière qui produit du verre mais le XXème siècle par ses avancées techniques, par le perfectionnement de l’outillage et des processus de fabrication, sera le siècle de la production industrielle et artistique la plus aboutie de l’histoire.
Le style Liberty Italien, l’équi- valent de l’Art Nouveau Français, a largement inspiré les verriers, adoptant une approche plus organique du travail de la matière. La flore, la faune, les lignes étirées inspirant le motif. Dans cette période de transformation les grands maîtres verriers de Murano, à l’instar de Venini, s’associent aux maîtres de la forge comme Mazzucotelli ou Bellotto pour créer des luminaires, des sculptures et des objets. Avec l’arrivée au pouvoir de Mussolini en 1922, une nouvelle révolution artistique se dessine, dite « rationaliste » qui englobe archi- tecture et art. Pour l’art décoratif on parlera d’époque du « Novecento », dont l’architecte Gio Ponti deviendra le chef de file, mélange de mythes de la Rome Antique et de modernité, prélude du design industriel de l’après-guerre.
Fin des années 20, les verriers de Murano comme Vittorio Zecchin, Barovier et Toso ou Paolo Venini abandonnent le décor traditionnel pour moderniser les œuvres, innovant dans le mélange des couleurs et l’épure des formes.
Au début des années 30, Luigi Fontana épaulé par Gio Ponti comme directeur artistique, fonde la Fontana Arte. Cette entreprise deviendra l’acteur majeur du design du verre sous l’impulsion de Gio Ponti et Pietro Chiesa. Après la guerre, l’entreprise fera appel au français Max Ingrand comme nouveau directeur artistique. Il va développer la marque et se fera un devoir d’impulser un design plus international, libéré des pon- cifs traditionnels du décor à l’italienne. Les années 60 porteront la patte, entre autres, de Sergio Asti, et les années 70/80 celle de Gae Aulenti.
Au XXIème siècle, les verriers de Murano tout comme ceux de Fontana Arte restent toujours des acteurs majeurs de cet artisanat d’art. Insipirée par des siècles de savoir faire, la création artistique d’aujourd’hui se veut résolument contemporaine. En témoignent les œuvres de Simone Cenedese, le maître verrier de Murano, ou, plus proche de l’esprit de la Fontana Arte, Roberto Rida, Maurizio Foddis et Andrea Baisi.
Nous retrouvons tous ces artistes dans l’exposition « Le Verre, une histoire italienne », 100 ans de créations iconiques.
REIGL JUDIT 100 - Judit Reigl and the Second School of Paris
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 04/10/2023 au 28/01/2024
Chaque mois, une conférence
GALERIE PELLAT DE VILLEDON
Du 22/09/2023 au 08/12/2023
À partir de septembre, la galerie Pellat de Villedon organise des conférences mensuelles à l'Hôtel de Bouillon. Gratuites et ouvertes à tous, ces conférences ont pour but de partager le Savoir, permettre des rencontres, promouvoir le XVIIIe siècle et les arts décoratifs, faciliter la « première entrée » dans une galerie pour les primo-collectionneurs.
Programme de conférences :
22/09 Vendredi 19h - Thierry Franz (conservateur du château de Lunéville) Le Versailles des derniers ducs et duchesses de Lorraine à Lunéville : entre mythe et réalité
18/10 Mercredi 19h - Jérôme Plouseau (président de la société des Amis de Versailles) La société des Amis de Versailles : les réalisations de ces dix dernière années et les projets en cours
09/11 Jeudi 19h - Daniel Alcouffe (historien de l'art et conservateur) Antoine Robert Gaudreaus, ébéniste de Louis XV suivie de la dédicace de son livre du même titre
08/12 Vendredi 19h - L'Osmothèque (conservateur international des parfums, de Versailles) Voyage au cœur des collections de l'Osmothèque
DE GUERRE ET D’AMOUR : LES DESSINS DE CHARLES ET JOSEPH FRANÇOIS PARROCEL
GALERIE MOTTE MASSELINK
Du 22/09/2023 au 24/11/2023
Du 22 Septembre au 24 Novembre 2023, la galerie Nathalie Motte Masselink présente l’exposition DE GUERRE ET D’AMOUR. LES DESSINS DE CHARLES ET JOSEPH FRANÇOIS PARROCEL. L’exposition met en lumière le travail de deux artistes du XVIIIème siècle français, issus d’une célèbre lignée de peintres avignonnais. Les trente dessins exposés plongent le visiteur dans deux univers : celui militaire de Charles Parrocel (1688 - 1752), devenu peintre des batailles du roi Louis XV en 1745, et celui plus sensuel de Joseph-François (1704 - 1781), peintre d’histoire et de décors.
Joseph-François Parrocel
Couple enlacé
Pierre noire, craie blanche, traces de sanguine
155 x 205 mm
Galerie Nathalie Motte Masselink
OPUS ancient arts
GALERIE EBERWEIN
Du 20/09/2023 au 24/09/2023
OPUS – Ancient Arts follows in the tradition of the great fairs dedicated to ancient arts, marking a new highlight in the cultural calendars of dealers, institutions and collectors alike. OPUS – Ancient Arts takes the form of an intimate art fair, featuring a carefully curated selection of galleries showcasing their diverse specialities: Greek and Roman, Egyptian, Near-Eastern, Islamic and Pre-Columbian antiquities.
Exposition « La terre à échelle humaine »
Galerie Capazza
Du 16/09/2023 au 19/11/2023
« Claudi Casanovas, Claude Champy et Bernard Dejonghe sont des pairs, qui se respectent et qui s’estiment. Ils sont reliés par des fondements qui habitent leur pratique artistique : le rapport à la géologie, à une forme de tellurisme, à l’étude du matériau et de la matière, à la place offerte au feu.
Ce sont des chercheurs, des hommes engagés à creuser un sillon, inexorablement. Non pas pour être marquants, mais pour marquer. Marquer la terre de leurs gestes, modeler, presser, griffer, superposer, gratter, couper, émailler… être à la fois dedans et dehors, habiter l’espace offert par l’œuvre en devenir.
Leurs œuvres nous offrent un trait d’union entre l’homme et la nature, elles nous relient à quelque chose qui nous dépasse… une vibration, un sentiment intérieur d’être enfin en lien avec le dessus ou le dessous, au choix .../...
Voilà pourquoi nous sommes farouchement heureux de rassembler ces trois figures majeures de l’art contemporain, car finalement ce sont des artistes qui ont fait le choix de rester à échelle humaine. Ils sont à la fois géants et minuscules, et ils en ont conscience… quoi de mieux comme exemple de vie ? »
Laura et Denis Capazza-Durand
extrait du catalogue de l'exposition
Parcours des Mondes
GALERIE EBERWEIN
Du 05/09/2023 au 10/09/2023
Parcours des Mondes est le plus important salon international d’art extra-européen, asiatique et d’archéologie par le nombre, la qualité et la diversité de ses participants. Depuis 2002, il rassemble chaque année au début du mois de septembre toujours plus de galeristes spécialisées dans les arts d’Afrique, d’Asie, d’Océanie, des Amériques et d'Archéologie au cœur de Paris.
Pose et mouvement, expression corporelle de Rodin à Gormley
GALERIE BRAME & LORENCEAU
Du 15/06/2023 au 21/07/2023
Cet été, la galerie Brame et Lorenceau présente un ensemble de peintures, dessins et sculptures de l’impressionnisme à nos jours.
Les artistes confèrent au corps une expression en lien tant avec leur onirisme propre qu’avec les évolutions sociologiques de leur temps.
Corps rêvé, métamorphosé ou abstrait, le parcours de l’exposition est l’occasion de dialogues entre approches esthétiques individuelles et idées issues de courants intellectuels et artistiques (surréalisme, cubisme, abstraction lyrique…) incarnant de nouvelles occurrences formelles.
RODIN, maîtres, praticiens, amis
GALERIES NICOLAS BOURRIAUD
Du 08/06/2023 au 20/07/2023
Notre exposition s’inspire directement de celle organisée par Cécile Goldscheider au Musée Rodin en 1957 Rodin : ses collaborateurs et ses amis. En optant pour le même chapitrage, à notre tour, nous présentons ici certaines de ses œuvres ainsi que celles de ses maîtres, praticiens et amis. Nous évoquons ainsi tout d’abord Barye et Carrier-Belleuse, mais aussi Carpeaux qu’il vit pour la première fois à la Petite École. Ces trois sculpteurs, chacun à leur manière, ont influencé durablement son jeune talent. D’Auguste Rodin, nous présentons trois œuvres emblématiques : L’Âge d’airain, l’Éternel Printemps, le Baiser. Elles constituent en quelque sorte le socle de l’exposition et nous amènent à évoquer les praticiens qui constituent son atelier ; dès les années 1880, pour faire face à des commandes croissantes, Rodin s’entoure d’assistants, qui sont des praticiens, metteurs aux points, mouleurs ou chefs d’atelier et que Bourdelle, l’un d’entre eux, représenté ici par La Vierge à l’offrande, décrit ainsi : « Il s’agit là d’un procédé très largement répandu au XIXe siècle, la plupart des statuaires se déchargeant de la taille, devenue une opération mécanique, sur des assistants ou des ouvriers spécialisés. Pour Rodin, comme pour ses contemporains, le travail de sculpture consiste dans le modelage de la terre, ou l’assemblage des plâtres, de façon à créer des groupes dont la réalisation en matériau définitif est toujours confiée à d’autres, fondeur ou praticien qu’il s’agit d’un bronze ou d’un marbre ». C’est d’ailleurs un magistral « buste hommage » Buste d’Auguste Rodin 1899 par Falguière qui vient ici sacraliser le portrait du maître en cette fin de siècle. Mais au tournant du XXe siècle, les praticiens et amis, tous présents dans l’exposition, s’émancipent : Bourdelle, Dejean, Desbois, Despiau, Drivier, Maillol, Pompon cherchent comment intégrer la leçon du sculpteur tout en se dégageant de son ombre écrasante. C’est ainsi qu’entre 1905 et 1914 s’écrit à Paris l’une des grandes pages de la sculpture moderne.
Certains artistes comme Maillol et Bourdelle changent de style. Cette césure intervient également dans la sculpture animalière avec Pompon dont nous présentons un Coq (1913)
où la plénitude de la masse vibre par le seul jeu des lumières. D’autres élèves de l’atelier de Rodin vont sortir des pas du maître en développant un style plus sobre. Lucien Schnegg est de ceux-là. Il devient le chef de file de « la bande à Schnegg ».Tous ces sculpteurs, anciens élèves et / ou praticiens de Rodin ont en commun un savoir technique indubitable et un attrait pour les formes épurées héritées de l’Antiquité gréco-romaine. Certains d’entre eux, tel Dejean, revendiquent ouvertement cette filiation : « Devant les Grecs, j’éprouve un bienfaisant sentiment de repos, tandis que chez Rodin je ne puis me cacher de ce déséquilibre. ». Parmi les amis, citons Joseph Bernard ou bien encore Alfred Boucher avec son célèbre Volubilis ; ce sont sur ses recommandations que Rodin et Camille Claudel se sont rencontrés… Un ensemble de photographies provenant du fonds Gustave Coquiot-Mauricia de Thiers et ayant servi à l’illustration du livre Rodin à l’hôtel de Biron et à Meudon (1917), viennent compléter ce panorama. On s’arrêtera pour finir sur ce saisissant Portrait de Rodin coiffé d’un béretpar Claude Harris (circa 1914), puissant et sensible à la fois, dont la présence sur fond noir relève du plus beau des clairs obscurs. Nicolas Bourriaud
Maurice ESTEVE
FRANCOIS DELESTRE FINE ARTS
Du 26/05/2023 au 30/06/2023
Nous sommes heureux de vous annoncer notre prochaine exposition sur l’artiste Maurice Estève (1904 – 2001). L’exposition comporte essentiellement des oeuvres sur papier des différentes périodes de la vie de l’artiste. À l’occasion un catalogue illustré a été publié, il est disponible sur demande et visible sur internet.
The "Four Apostles" in Rome 1947-48, Judit Reigl and friends: Lipót Böhm, Antal Bíró and Sándor Zugor
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 01/05/2023 au 09/06/2023
Galerie AFRIQUE - Paris Tribal 10e
GALERIE AFRIQUE
Du 18/04/2023 au 22/04/2023
La Galerie AFRIQUE participera à la dixième édition du Paris Tribal du 18 au 24 avril, à la Galerie Etienne de Causans, 25 rue de Seine, 75006, Paris.
Seront présentés une fine selection de sculptures et d'objets ethnographiques.
Sam Havadtoy - Shibui
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 30/03/2023 au 21/04/2023
'Sam Havadtoy - Shibui' exhibition
TEFAF
GALERIE EBERWEIN
Du 10/03/2023 au 19/03/2023
La TEFAF Maastricht est largement considérée comme la première foire mondiale des beaux-arts, des antiquités et du design. Avec plus de 275 marchands prestigieux d'une vingtaine de pays, TEFAF Maastricht est une vitrine pour les plus belles œuvres d'art actuellement sur le marché. Outre les zones traditionnelles de peintures de maîtres anciens, d'archéologie et d'antiquités classiques qui couvrent environ la moitié de la foire, vous pouvez également trouver de l'art moderne et contemporain, des bijoux, du design du XXe siècle et des œuvres sur papier.
Depuis le moment où la foire a ouvert ses portes en 1988 au MECC de Maastricht, la TEFAF s'est consacrée à présenter le meilleur de l'art au monde, dans toutes les catégories, sous un même toit. Ce qui a commencé comme une idée radicale pour un nouveau modèle de foire s'est transformé en "la plus grande foire du monde", selon l'un des premiers exposants de la TEFAF, le marchand Old Master Johnny van Haeften.
Un engagement envers l'excellence, des normes de vérification rigoureuses et une expérience inégalée de collectionner sont restés constants dans le parcours de la TEFAF jusqu'à aujourd'hui.
Anton Prinner - Le Livre des Morts des Anciens Egyptiens
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 13/01/2023 au 17/02/2023
Bijou Bijoux
MAISON RIONDET
Du 09/11/2022 au 19/02/2023
Les bijoux attirent la lumière. Les gemmes, les bagues, les colliers, captent toute l’attention alors que juste derrière se cachent des visages, des corps, des souvenirs enfouis, qui ne demandent qu’à sortir de l’oubli et se mettre en mouvement.
Le temps d’une exposition, découvrez un panorama de ces histoires, ces images et ces destins souvent méconnus qui peuplent la vie des bijoux et leur donne la seule valeur durable, celle des sentiments.
Qu’est-ce qui nous relie aux bijoux ? Quelle part de nous-même prend forme à leur contact et quelles images se libèrent dans nos pensées ?
Ne cherchez pas de véritables bijoux dans cette exposition qui se concentre justement sur ce qui gravite tout autour. Les matières, les gemmes, les techniques de la bijouterie-joaillerie, les ateliers, les créa- teurs et créatrices, les Maisons joaillières, les modèles, les dessins, les films, les livres, le choix est vaste et nous emporte tout autour du monde.
Savez-vous que le sous-sol de la France recèle des gemmes à l’instar du saphir et de l’améthyste dans le massif central ? Que les joyaux de la Cou- ronne de France ont été vendus aux enchères en 1887 ? Connaissez-vous le syndicat lyonnais du Klondike qui était la seule société française à avoir une activité continue à l’époque de la ruée vers l’or ? Imaginez-vous que l’affaire du vol des bijoux de Kim Kardashian soit devenue un album de BD ? Avez-vous entendu parler du métier de bijoutier et dessinateur en cheveux, courant au XIXe siècle qui permettait de garder avec soi des preuves d’amour ou la mémoire d’une personne défunte ?
À travers le parcours de Bijou Bijoux, qui répondra à toutes ces questions, vous découvrirez aussi la fameuse bijouterie Art nouveau Fouquet conçue par Alfons Mucha, considérée comme le premier concept-store, la bijoutière new-yorkaise pour rappeurs et rappeuses, A$ap Eva, et les squelettes aux bijoux du photographe Paul Koudounaris. Enfin, nous croiserons les regards sur les bijoux de Charles Baudelaire, George Sand, Jules Verne, Joseph Kessel, Jean Cocteau ou encore Marlene Dietrich.
Harmony of Korea
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 20/10/2022 au 30/11/2022
Harmony of Korea exhibition of artists Suh-Jeong Min, Chun Kwang Young, Ilhwa Kim, Lim Dong Lak, Sung-Pil Chae and Hur Kyung-Ae
Evaristo Baschenis (Bergame, 1617-1677) Le triomphe des instruments de musique dans la peinture du XVIIe siècle
GALERIE CANESSO
Du 06/10/2022 au 17/12/2022
À presque plus d’un siècle de sa redécouverte et après les expositions anthologiques de Bergame (Accademia Carrara, 1996) et de New York (Metropolitan Museum of Art, 2000), Evaristo Baschenis (Bergame, 1617-1677) est présenté pour la première fois au public français avec un groupe d’œuvres restreint (neuf tableaux) qui documentent sa production sur le thème de la musique, celle-là même qui de son vivant déjà lui a procuré gloire et renommée.
Inventeur d’une iconographie aimée aussi bien des amateurs d’art que de ceux de la musique, Baschenis a anobli le genre de la nature morte en élevant ces précieux instruments de la lutherie italienne des ateliers renommés de Brescia, Crémone, Padoue et Venise au rang de protagonistes absolus. Son admiration pour ces merveilleux objets d’artisanat se déduit de son absolue fidélité avec laquelle il en tire des portraits « dal vero », en un jeu musical sophistiqué de formes et de couleurs, enchâssés de précieux rideaux comme sur la scène d’un théâtre personnel. Un dévouement qui transparait aussi dans la signature que le peintre-musicien, avec une invention typiquement baroque, appose sur les instruments en insinuant le doute qu’il ne les a pas seulement peints mais aussi construits, à l’imitation de ses chers luthiers : Hartung, Gasparo da Salò, Tieffenbrucker, Sellas.
Dans l’immobilité magique de ses compositions, dans le voile de poussière qui recouvre certains instruments, on perçoit le sens de l’attente, comme une méditation métaphysique sur le monde, dans le silence d’un temps suspendu.
Les études entreprises à l’occasion de l’exposition ont permis d’identifier, sur la partition de l’un des tableaux (n° 4 du catalogue) un célèbre madrigal du musicien flamand Roland de Lassus (Mons, 1532 – Munich (Bavière), 1594), sur les vers du sonnet CLIX du "Chansonnier" de Francesco Petrarca (1304-1374). Un fait rare dans la production picturale du temps, et à vrai dire unique dans le corpus de Baschenis, car la critique considérait jusqu’alors que les partitions musicales étaient de pure fantaisie ; dans le même temps cette découverte apporte une confirmation de la renommée de Pétrarque qui se poursuit encore au XVIIe siècle.
L’importance de l’initiative promue par la galerie Canesso, en collaboration avec l'Accademia Carrara de Bergame et le Museo Teatrale della Scala di Milan qui prêtent chacune une œuvre, est attestée par la haute qualité des œuvres exposées - parmi lesquelles brillent tout particulièrement les grandes toiles du Triptyque Agliardi (1665 c.), chefs d’œuvre absolus de l’artiste - qui viendront dialoguer dans l’exposition avec des instruments anciens parmi lesquels se trouvent une Épinette de Graziado Antegnati (1523/1525-vers 1590), un Théorbe romain de Giovanni Tesler (actif à Ancône entre 1600 et 1650), une Guitare de Giorgio Sellas (vers 1585-1649), un Violon de Nicolò Amati (1596-1682), une Mandoline attribuée à Giacomo Ertel (vers 1646-1711).
L’exposition bénéficie du patronage de l’Ambassade d’Italie.
Catalogue : "Evaristo Baschenis (1617-1677). Le triomphe des instruments de musique dans la peinture du XVIIe siècle", Enrico De Pascale (dir.), Paris, Galerie Canesso, 2022, disponible en septembre.
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Idoma / Igala et peuples apparentés - Parcours des Mondes 2022
GALERIE AFRIQUE
Du 06/09/2022 au 11/09/2022
BRAFA
ROBERTAEBASTA London
Du 19/06/2022 au 26/06/2022
Robertaebsta est ravi de présenter une sélection du meilleur design italien du milieu du siècle. Parmi les pièces exposées, un rare paravent décoratif de Fornasetti, une assiette en céramique de Lucio Fontana et une œuvre importante de Carla Accardi.
Points and lines of reference / Barabási Lab - László Albert Barabási
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 03/05/2022 au 03/06/2022
La Chine antique et le monde précolombien - Printemps 2022
MING-K'I GALLERY
Du 23/04/2022 au 26/06/2022
Márta Kucsora exhibition - Kunsthalle Budapest 2021
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 07/04/2022 au 07/04/2022
Márta Kucsora exhibition - Kunsthalle Budapest 2021
2021. December 15. - 2022. February 13.
https://www.kalmanmaklary.com/exhibitions/marta-kucsora-kunsthalle-budapest-2021
ANDY DENZLER - Out of the Dark
OPERA GALLERY
Du 24/03/2022 au 21/04/2022
À contre-courant de nombreux artistes, Andy Denzler s’est d’abord consacré à l’abstraction pendant une décennie, avant de s’attacher à représenter le réel. En 2001, il trouve sa voie et explore depuis un langage plastique immédiatement reconnaissable oscillant entre figuration et abstraction.
Peintre et Photographe de formation, Andy Denzler débute son processus créatif en utilisant son appareil photo tel un carnet de croquis dans son studio. Il s’en inspire pour les postures de ses personnages, ainsi que pour la lumière et les cadrages si particuliers de ses compositions. Chaque tableau est le fruit d’une suite d’interventions où l’artiste déforme l’image fraîchement peinte en couche épaisse en distordant la matière sur la toile à l’aide d’un d’une spatule et d’un pinceau. Les stries et les sillons ainsi formés rendent la peinture floue et altèrent les formes, tel un arrêt sur image d’une ancienne cassette VHS. De cette représentation du réel ainsi perturbée naît un paradoxe, le regardeur parvient à lire de manière claire ce qui est finalement imprécis. Ainsi, le véritable sujet de ses peintures est autant ce qui est capturé que les moyens mis en œuvre pour y parvenir.
Dans ce nouvel opus, Andy Denzler poursuit son exploration du mouvement, du temps et de la figure humaine au cœur de son œuvre. Il a créé une série de portraits intimistes dans des intérieurs, ainsi que des scènes de vie extérieures faites d’assemblages de divers éléments. Dans ses portraits, reflets de notre société contemporaine, l’artiste capture les états d’âmes de ses personnages en pleine introspection. Une certaine fragilité et un grand silence émanent de ces figures qui tendent à disparaître, évoquant le temps qui passe. Dans les scènes plus complexes, Andy Denzler joue également avec notre perception et amène à se questionner sur une autre réalité. Il puise dans ses souvenirs afin de composer des collages surréalistes, où fusionnent des images de la vie quotidienne.
L’artiste utilise toujours une palette de tons chair, d’ocres, de bruns, de noirs et de gris, qui s’inspire de vieux Polaroid ou de photographies anciennes insolées. Ces couleurs parfois sombres, mais toujours douces suggèrent un monde naturel empreint de calme, dans une société où les esprits sont très sollicités à l’ère du numérique.
Nous invitons nos collectionneurs et visiteurs à plonger dans l’univers d’Andy Denzler, à prendre le temps d’interagir avec ses œuvres afin d’explorer les relations entre la nature humaine et sa matérialité à la surface de la toile.
'Three Hungarian Abstract artists from the École de Paris' - Ernest Klausz, Geza Szobel, Paul Kallos
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 17/03/2022 au 22/04/2022
'Three Hungarian Abstract artists from the École de Paris' - Ernest Klausz, Geza Szobel, Paul Kallos
Exhibition is on view between March 17 - April 22. 2022 at Kálmán Makláry Fine Arts Gallery
https://www.kalmanmaklary.com/exhibitions/geza-szobel-ernest-klausz-paul-kallos
'Three Hungarian Abstract artists from the École de Paris' - Ernest Klausz, Geza Szobel, Paul Kallos
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 17/03/2022 au 22/04/2022
'Three Hungarian Abstract artists from the École de Paris' - Ernest Klausz, Geza Szobel, Paul Kallos
Exhibition is on view between March 17 - April 22. 2022 at Kálmán Makláry Fine Arts Gallery
https://www.kalmanmaklary.com/exhibitions/geza-szobel-ernest-klausz-paul-kallos
Germaine Richier et la couleur
GALERIE DE LA BÉRAUDIÈRE
Du 20/01/2022 au 29/04/2022
Germaine Richier, surnommée L’Ouragane par ses intimes en référence à l’une de ses sculptures, naît en 1902 en Provence. Elle suit un enseignement classique à Paris au sein de l’atelier de Bourdelle, ancien élève de Rodin, dont la technique marquera durablement sa pratique artistique.
Cette sculptrice consacre l’ensemble de ses recherches plastiques à la figure humaine. Elle réalise d’abord des nus et des bustes réalistes pour ensuite faire évoluer son travail vers des figures hybrides. Richier met en place les bases d’un langage singulier, proposant un dialogue fort entre l’humain et la nature. Elle pousse l’expérience jusqu’à greffer dans le plâtre des branches d’arbre, des feuilles, des pierres et toutes sortes d’éléments organiques.
Germaine Richier traite la matière sur le mode de l’érosion et la travaille par entailles, griffures, jouant sur une esthétique de l’accident avec une grande modernité pour son époque. Par la violence de son traitement, elle explore de nouvelles images de l’humanité, dans une époque marquée par la guerre. Son travail confronte la sauvagerie des conflits et la fragilité de l’esprit humain, dans des œuvres émouvantes et puissantes.
La couleur occupe une place constante dans les œuvres des dix dernières années de sa vie. Elle apparaît sous différentes formes : peinture, émail ou verres colorés. « La couleur est là, non pas pour suggérer un détail, mais pour bouleverser l’unité de la forme, renforcer l’étrangeté de l’œuvre, créer des effets de matière, attraper et surprendre le regard. (...) Elle lui permet aussi de collaborer avec des ami.e.s peintres comme Maria Helena Viera da Silva, Hans Hartung ou encore Zao Wou-Ki »1.
Richier est l’une des premières sculptrices françaises à avoir pu jouir d’un succès international de son vivant. En 1952, elle a déjà exposé dans de nombreux musées en Suisse, aux Pays-Bas, en Allemagne ainsi qu’aux États-Unis et en Amérique du Sud. En 1956, elle est aussi la première femme à présenter une rétrospective au Musée National d’Art Moderne de Paris. L’année 1959 sera marquée par une rétrospective au Musée Picasso à Antibes, mais également la dernière du vivant de l’artiste. Trop jeune, Germaine Richier décède en 1959, à l’âge de 57 ans.
La Galerie de la Beraudière est heureuse de dédier à cette artiste hors norme une exposition centrée sur l’utilisation de la couleur dans ses œuvres et se réjouit de collaborer avec le talentueux Charles Kaisin qui réalisera la scénographie. Un catalogue sera publié à cette occasion.
Márta Kucsora exhibition 2021
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 16/12/2021 au 21/01/2022
Márta Kucsora exhibition at Kálmán Makláry Fine Arts Gallery
2021. December 16. - 2022. January 21.
https://www.kalmanmaklary.com/exhibitions/marta-kucsora-exhibition
Brussels Art Square - l’exposition « Camaïeu »
GALERIE PATRICK & ONDINE MESTDAGH
Du 24/09/2021 au 26/09/2021
Patrick et Ondine Mestdagh invitent Bart Suys.
Bart Suys a créé des œuvres sur papier en 2020 et 2021. Elles sont de petite taille et représentent des coquillages. Différentes versions de chaque type de coquillage ont été réalisées. Comme l'intention n'était pas de produire des copies de ce que la nature offre, les couleurs ont été diamétralement choisies afin de ne correspondre en rien à celles du coquillage en question. De plus, la cavité dans laquelle se trouvait le mollusque a été laissée blanche comme du papier et non pas, comme on pourrait s'y attendre, rendue ombragée. Tout cela entraîne une certaine confusion avec laquelle l'idée de "coquille" est toujours présente et où elle prend une dimension supplémentaire. Le spectateur se demande ce que l'œuvre représente ou y voit quelque chose qui ne correspond pas au point de départ. Mais la reconnaissance de la sensualité peut aussi s'installer dans l'esprit du spectateur, grâce aux formes représentées et aux couleurs attrayantes.
Sam Havadtoy - I only came to arrive 2021
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 02/09/2021 au 01/10/2021
'Sam Havadtoy - I only came to arrive' exhibition at Kálmán Makláry Fine Arts
2021. September 2. - October 1.
https://www.kalmanmaklary.com/exhibitions/sam-havadtoy-i-only-came-to-arrive
Hungarian Paris III. - Sculptures from the École de Paris by Hungarian artists'
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 21/06/2021 au 30/07/2021
Hungarian Paris III. - Sculptures from the École de Paris by Hungarian artists'
Following the highly successful Hungarian-Paris exhibition series, the gallery is currently presenting the works of sculptors. World-famous artists whose homeland was Hungary but almost their entire oeuvre belonged to the artistic trends of France of that time. Among the outstanding members of the École de Paris are the sculptures starting from 1930s of Gusztáv Miklós, József Csáky, Étienne Beöthy, Anton Prinner, Katalin Sylvester, Victor Román and László Szabó.
https://www.kalmanmaklary.com/exhibitions/hungarian-paris-iii
SCULPTURES DE MÉLANÉSIE - Exposition à l’Occasion des 20 Ans de la galerie Voyageurs & Curieux
VOYAGEURS & CURIEUX
Du 17/06/2021 au 17/07/2021
Le dessin un art de vivre
GALERIE DIL
Du 08/06/2021 au 30/06/2021
Le dessin est un art de vivre, indépendant, il est bien plus représentatif de l’art dans une volonté d’être authentique.
Préparatoire ou non, le dessin offre un champ d’expression créatif, plus libéral, entre corps, espace, profondeur, ainsi une tridimensionnalité et un mouvement rendu visible par cette technique.
Réservé à de vrais collectionneurs, à la fois plus aguerri et plus pointu que la peinture dite de salon ou décorative, le dessin est définitivement plus technique.
L’encre de Chine démontre bien cette particularité, elle nécessite une maîtrise totale de son art et ne peut donc être ni gommée, ni réparée.
Ainsi du 8 au 30 juin 2021 à l’occasion de l’événement du Salon du Dessin pour sa 30ème édition, la Galerie DIL exposera ses plus beaux papiers consacrés aux grandes personnalités artistiques du XXème siècle.
www.galeriedil.com
téléchargez le catalogue de l'exposition en cliquant ici
Théodore Rousseau (1812–1867)
MOELLER FINE ART
Du 15/04/2021 au 21/04/2021
Today is Théodore Rousseau's birthday. This leading artist of the Barbizon School was born in Paris on April 15, 1812. In celebration, I'm pleased to share with you our latest online exhibition, Théodore Rousseau (1812—1867). Albert Wolff wrote enthusiastically of Rousseau’s work in 1886:
Rousseau renders with the same mastery, the smile of creation and its terrors, the broad open plain and the mysterious forest, the limpid, sun-bright sky or the heaping of the clouds.... He has understood all, rendered all with equal genius.... He has been by turns as much a poet as Corot, as melancholy as Millet, as awful as Dupré; he is the most complete, for he embraces landscape art absolutely.
One of the highlights of the exhibition is a large, detailed landscaped drawing, Habitations sous des chênes dans les Landes, (after 1844). It exemplifies Rousseau’s mastery of precision and form. Its majestic central tree, with luxuriant foliage, towers over a sunny pasture. The small cottage nestled in the left hand corner serves as a quiet reminder of humankind's humbleness in the face of nature.
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Back to the 50's - Judit Reigl & Simon Hantai
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 06/04/2021 au 06/04/2021
Back to the 50's - Judit Reigl & Simon Hantai
http://www.kalmanmaklary.com/exhibitions/back-to-the-50-s-judit-reigl-simon-hantai
https://www.youtube.com/watch?v=KbTEN3ftzmQ
Vente Art Tribal Lombrail Teucquam - 7 Mars 2021
GALERIE AFRIQUE
Du 05/03/2021 au 07/03/2021
Vente aux enchères d'art tribal provenant de six collections privées et de la succession du peintre Albert Bitran.
FIEDLER 100 - Francois Fiedler exhibition
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 01/02/2021 au 12/03/2021
FIEDLER 100 - Francois Fiedler exhibition
http://www.kalmanmaklary.com/exhibitions/fiedler-100
https://www.youtube.com/watch?v=YbO1EGjmIk4
Simon Hantai 2020
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 16/10/2020 au 15/11/2020
Simon Hantai 2020
http://www.kalmanmaklary.com/exhibitions/simon-hantai-2020
https://www.youtube.com/watch?v=waRUPl7yQks
https://www.youtube.com/watch?v=IeapNGPKRqw
In memoriam Judit Reigl (1923-2020)
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 07/09/2020 au 09/10/2020
In memoriam Judit Reigl (1923-2020)
http://www.kalmanmaklary.com/exhibitions/in-memoriam-judit-reigl-1923-2020
https://www.youtube.com/watch?v=tn-1F3Yqphw
https://www.youtube.com/watch?v=WFQKOTGz6ro
https://www.youtube.com/watch?v=Mt0D026fSC8
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Francois Fiedler exhibition at Hungarian Kunsthalle
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 03/12/2019 au 02/02/2020
Francois Fiedler exhibition at Hungarian Kunsthalle
http://www.kalmanmaklary.com/exhibitions/francois-fiedler-image-praxes-2-mucsarnok
https://www.youtube.com/watch?v=f_0A1Zmvg08
THE ENCHANTED WORLD OF LYONEL FEININGER
MOELLER FINE ART
Du 28/11/2019 au 31/01/2020
In 1918, Feininger began to make pencil drawings of ships, seascapes and small figures with top hats, perhaps inspired by motifs he saw in Braunlage, a picturesque town in the Harz mountains. The artist translated many of these drawings into woodcuts. Fifty of these mostly unpublished, spontaneous drawings for woodcuts are exhibited at Moeller Fine Art alongside a collection of 68 hand-carved and painted wooden houses and figures and 15 "Ghosties," small watercolors that Feininger gave his family and friends on holidays and special occasions.
Beginning in 1919, Feininger took scraps of wood and made little characters and houses for his children and friends-- a tradition he continued until his last Christmas in 1955. These works were collectively referred to as the “City at the Edge of the World” by Feininger's youngest son, T. Lux. Over the years, the artist presented these 68 hand-carved and painted wooden figures, houses, animals and a bridge to Andreas, his eldest son, and Wysse, Andreas's wife, who treasured them and kept them together as a group. This is the largest grouping of such works that exists in a single collection, and is unique because all the toys were given directly to Andreas and Wysse.
Perhaps the most intimate of all of the works in this exhibition, however, are the “Ghosties,” created in the late 1940s and early 1950s, which offer a glimpse into Lyonel Feininger’s personal world. The gift of a "Ghostie" was an expression of affection from the artist, or from "Papileo," as he was addressed by his family and friends.
Four Female Abstract Artists - Anna Beöthy Steiner, Vera Braun, Ilona Keserü Ilona, Judit Reigl
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 31/10/2019 au 15/11/2019
Four Female Abstract Artists - Anna Beöthy Steiner, Vera Braun, Ilona Keserü Ilona, Judit Reigl
http://www.kalmanmaklary.com/exhibitions/four-female-abstract-artists
https://www.youtube.com/watch?v=8d5rCb06m8E&t=3s
https://www.youtube.com/watch?v=oY9C0iWCnfM
https://www.youtube.com/watch?v=kyzKR4dOqHU
'Great art. Mad money. No rules.' George Condo, Andy Warhol, Keith Haring, Damien Hirst, Jeff Koons, Hans Hartung, Yoko Ono, Roy Liechtenstein, Judit Reigl, Simon Hantai, Laszlo Moholy-Nagy
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 05/09/2019 au 20/09/2019
'Great art. Mad money. No rules.' exhibition at Kalman Maklary Fine Arts Gallery / September 5 - 20, 2019
Artists: George Condo, Andy Warhol, Keith Haring, Damien Hirst, Jeff Koons, Hans Hartung, Yoko Ono, Roy Liechtenstein, Judit Reigl, Simon Hantai, Laszlo Moholy-Nagy
http://www.kalmanmaklary.com/exhibitions/great-art-mad-money-no-rules
https://www.youtube.com/watch?v=5c779UTtCPc&t=81s
https://www.youtube.com/watch?v=HhutKSmqoDQ
JUDIT REIGL - Black is a Color
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 29/11/2018 au 14/12/2018
JUDIT REIGL - Black is a Color
http://www.kalmanmaklary.com/judit-reigl-black-is-a-color-2018?
https://www.youtube.com/watch?v=tZ_YVlImW3g
Márta Kucsora - Imprints
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 04/10/2018 au 26/10/2018
Márta Kucsora - Imprints
http://www.kalmanmaklary.com/marta-kucsora-2018
https://www.youtube.com/watch?v=3eEeOCePVWc
LYONEL FEININGER: THE EARLY YEARS, 1890-1906
MOELLER FINE ART
Du 30/03/2015 au 17/07/2015
MARCH 30 – JULY 17, 2015
'Hungarian Paris II.' Reigl - Rozsda - Hantai - Csernus - Biró - Kallos
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 12/11/2014 au 05/12/2014
'Hungarian Paris II.' Reigl - Rozsda - Hantai - Csernus - Biró - Kallos
http://www.kalmanmaklary.com/hungarian-paris-ii
ZERO IN VIBRATION – VIBRATION IN ZERO
MOELLER FINE ART
Du 12/10/2014 au 08/01/2015
Moeller Fine Art is pleased to announce "ZERO in Vibration –Vibration in ZERO," a collaboration with the ZERO Foundation, Düsseldorf, and the Neuberger Museum of Art, Purchase College, State University of New York, on view from 13 October 2014 through 9 January 2015.
The exhibition is dedicated to the memory of Otto Piene (1928–2014).
In 1958 Otto Piene and Heinz Mack (later joined by Günther Uecker) formed the ZERO group in Düsseldorf, whose aim, Piene wrote, was to create "a zone of silence and of pure possibilities for a new beginning." Their art championed kinetic, light and minimalist elements expressed in new media, such as chrome, aluminum, latex and motors, providing a counterpoint to Abstract Expressionism in post-war Europe.
In 1958 the group published its second art magazine on the occasion of a series of studio exhibitions dedicated to "Vibration," including works by Oskar Holweck, Heinz Mack, Almir Mavignier and Otto Piene, centered on the theme of visual movement.
In 1959 ZERO came before an international public with the landmark exhibition "Motion in Vision – Vision in Motion," at the Hessenhuis, Antwerp, an artist-curated exhibition, and over the following decade gained participants throughout the world: Piero Dorazio, Lucio Fontana and Piero Manzoni in Italy; Bernard Aubertin, Yves Klein and François Morellet in France; Walter Leblanc in Belgium; Jesús Rafael Soto in Venezuela; and Hermann Goepfert, Christian Megert and Almir Mavignier in Germany.
"ZERO in Vibration – Vibration in ZERO," organized on the 30th anniversary of Moeller Fine Art in New York and the 55th anniversary of "Motion in Vision – Vision in Motion," finds fresh resonance in the literal, optical and potential vibrations of ZERO. Highlights include Veil of Light, 1964, by Heinz Mack, a pulsating plane of reflective hexcells; 2 trames de chevrons superposées, 1961, by François Morellet; and Rosso di sotto, 1961, by Piero Dorazio, a vibrant, intersecting grid painted on canvas.
The exhibition includes loans from the Neuberger Museum's George and Edith Rickey Collection of Constructivist Art, the ZERO Foundation and works for sale from private collections. An illustrated catalogue, with texts by Mattijs Visser (Director, ZERO Foundation) and Serge Lemoine, accompanies the show, which runs parallel to "ZERO: Countdown to Tomorrow, 1950s–1960s" at the Solomon R. Guggenheim Museum, the first exhibition based on international research projects initiated by the ZERO Foundation. Moeller Fine Art has contributed to the Guggenheim Museum's exhibition with the loan of two works by Otto Piene, Light Satellite and Light Drum, 1969.
'Hungarian Paris I.' Hantai - Reigl - Fiedler - Rozsda - Csernus - Sylvester
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 01/09/2014 au 30/09/2014
Hungarian Paris I.
Hantai - Reigl - Fiedler - Rozsda - Csernus - Sylvester
http://www.kalmanmaklary.com/magyar-parizs
GUNNAR ÖRN GUNNARSSON: "ÞURRLENDI"
MOELLER FINE ART
Du 24/06/2014 au 17/04/2014
Moeller Fine Art Berlin is pleased to present "þurrlendi," (pronounced "frürrländy") a selection of paintings and drawings from the 1980s by Icelandic artist Gunar Örn Gunnarsson (1946–2008). The title of the exhibition comes from the Icelandic word for land or earth, as Gunnarsson's work from this period focuses on the Icelandic folk tradition and its strong relation to nature, filled with dream-like images which recall a distant, mythological past.
A self-taught artist who has become one of Iceland’s leading artistic figures nationally and internationally, Gunnar Örn Gunnarsson was discovered by Guggenheim museum curator Edward F. Fry, who was an early champion of his work. Gunnarsson's paintings of the 1980s contrast with the more abstract style of many of his Icelandic contemporaries, including those of his close friend Olafur Eliasson, whose mentor he was. Initially inspired by the nation’s traditional artistic concern with nature and the human connection, Gunnarsson’s paintings in the 1980s show human and animal figures—and sometimes hybrids of the two—intertwined within the landscape. His expressionistic approach, deft brushwork and strong use of color demonstrate a master of figurative and spiritually charged painting. Eliason writes about his friend, "It was Gunnar’s ability to transform landscape forms, whether symbolic, metaphoric, or naturalistic, that taught me not only to see the world around me but to consider our movement through the landscape as an inseparable part of it." (2009)
Gunnar Örn Gunnarsson lived in Kambur, Iceland, in close contact with the landscape and wildlife that inspired his work so strongly. Gunnarsson represented his country at the Bienal de São Paulo in 1985 and at the Venice Biennale in 1989. His works may be found in public collections worldwide, including the Guggenheim Museum, New York, The National Gallery of Iceland, Reykjavik, The Seibu Museum, Tokyo, The Moderna Museet and the National Gallery of Sweden, Stockholm. Gunnar Örn Gunnarsson also had solo exhibitions at Moeller Fine Art, New York in 1985 and 1989 and at Moeller Fine Art, Berlin in 2010.
LYONEL FEININGER: MASTER PRINTMAKER
MOELLER FINE ART
Du 18/03/2014 au 26/06/2014
In collaboration with the The Lyonel Feininger Project LLC, Moeller Fine Art is pleased to announce “Lyonel Feininger: Master Printmaker,” an exhibition of over fifty woodcuts from the artist’s personal collection. The exhibition will open in New York after a successful presentation at Moeller Fine Art Berlin.
Lyonel Feininger (1871-1956) first began making woodcuts in the spring of 1918, a year before Walter Gropius appointed him the first Master of Form in the Bauhaus print shop in Weimar. Skillful, virtuosic, and prolific he had cut more than 100 woodblocks by the end of 1918 and created the majority of these works within only three years. The woodcuts, created between 1918 and 1928, reflect the artist’s varied stylistic elements from the whimsical to the cubistic and prismatic.
The exhibition also includes Feininger's “nature studies,” drawings en plein air that served as the starting point for the artist’s work. Such motifs from nature recur in Feininger’s œuvre, as T. Lux (1910-2011), his youngest son, wrote: “[they] consisted of the re-casting and re-drawing of a given composition, abandoning it and then taking it up again a day or a year or twenty-five years after, in any and all of the media.” In a rare painting, Chapel in the Woods, 1943, Feininger even reconceived a woodblock print in oil on canvas.
Since the gallery opened in 1972, Moeller Fine Art has been closely linked to Lyonel Feininger and is the primary gallery for collectors and institutions seeking to purchase and sell works by the artist. Achim Moeller represents the Lyonel Feininger Family Trusts and is Managing Principal of the Lyonel Feininger Project LLC, providing research and expertise concerning works attributed to the artist. Mr. Moeller is currently preparing the three-volume catalogue raisonné of paintings by Lyonel Feininger.
Judit Reigl Abstract Expressionism 1955-1959
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 14/11/2013 au 10/12/2013
Judit Reigl Abstract Expressionism 1955-1959Judit Reigl Abstract Expressionism 1955-1959
http://www.kalmanmaklary.com/judit-reigl-abstract-expressionism-1955-1959
https://www.youtube.com/watch?v=R1-jafncNw4
R. B. KITAJ
MOELLER FINE ART
Du 02/11/2012 au 15/02/2013
Moeller Fine Art Berlin is pleased to announce the exhibition "R.B. Kitaj," on view from November 3, 2012 - February 16, 2013. The exhibition will run concurrently with the retrospective "R.B. Kitaj: Obsessions" at the nearby Jewish Museum Berlin, through January 27, 2013. Moeller Fine Art's exhibition presents 15 important paintings created during the 1980s, 1990s, and 2000s. All works are for sale.
R. B. (Ronald Brooks) Kitaj (1932-2007) is among the best-known of the figurative painters of the “The London School,” a name Kitaj coined in a catalog essay for his 1976 retrospective at the Arts Council of Great Britain, London. Kitaj's honors include election to the American Academy of Arts and Letters in 1982. In 1985, he became the first American since John Singer Sargent (1856-1925) to be elected to the Royal Academy. Numerous retrospective exhibitions of his work have been held, including those at the Hirshhorn Museum, Washington, DC, the Tate Gallery, London, the Los Angeles County Museum of Art, and Metropolitan Museum of Art, New York.
For Kitaj, art was a medium of intellectual exploration, which he mined using references from history, art, literature, pop culture, and his own life. These complex compositions of disorienting landscapes and impossible three dimensional constructions are built up using a montage of images, which he called 'agitational usage'. This juxtaposition is not only one of space but also of time; The Room (Rue St. Denis), 1982-83, exhibited at the Tate retrospective in 1994 and included in the gallery’s exhibition, refers to Kitaj's life and its connection to that of Pablo Picasso: "the year that I lived in Paris, I painted this room which is in the mile-long street which I have haunted since I was eighteen, a street Picasso also loved but I don't know if he ever painted it or its small rooms."
Kitaj was also a voracious reader and sought to communicate both through image and text. He accompanied many of his works with explanatory “prefaces” and identified with the “painter-scribbler” Vincent van Gogh, to whom he paid homage with After Vincent (2nd Transaction), 2006. For the “preface” of the painting My First Time (Havana, 1949), 1990, also included in the exhibition, Kitaj wrote:
I’ve been possessed by a very occasional semi-secret life, not at all uncommon to judge only by erotic art and literature of many cultures, and its bittersweet addictions have fascinated me since my First Time in Havana forty-five years ago (Flaubert says ‘He has not lived’ who has not been drawn into and shamed by this ill-famed addiction), but when I think that a rare beauty has transpired in my secret life, not unlike any other experience of nature which one tries to commit to canvas, I feel it may belong to painting, even when I suspect that the bitter undertaste of the sensual port and its streets of shame may be unknowable to many people, and so it seems to me that if I can recall some sense of sexual drama, as in this bildungsroman about my lost youth, the singular tense in art may be faintly heard and one’s youth may even seem regained.
HOWARD WISE GALLERY: EXPLORING THE NEW
MOELLER FINE ART
Du 26/04/2012 au 12/07/2012
Moeller Fine Art New York is pleased to announce "Howard Wise Gallery: Exploring the New" to take place from 22 February to 27 April. The exhibition is an homage to pioneering gallerist Howard Wise and features works by Group Zero, kinetic, and video artists he championed, including Billy Apple, Christo, Carlos Cruz-Diez, Piero Dorazio, Edward Dugmore, Heinz Mack, Charlotte Moorman, Nam June Paik, Otto Piene, George Rickey, Peter Sedgley, Eric Siegel, and Takis. An illustrated catalogue with an essay by Peter Selz (Professor Emeritus, University of California, Berkeley) will accompany the exhibition.
Howard Wise (1903-1989) opened the Howard Wise Gallery of Present Day Painting and Sculpture in Cleveland, Ohio in 1957. In 1960, he moved his gallery to 50 West 57th Street in New York, and inaugurated the new premises by exhibiting European and American New Tendency artists. Wise was a trailblazing proponent of kinetic sculpture and video art in the US, and foresaw the future of art to be an alliance between artistic and technological concerns. He was also the only gallerist in Europe or America to embrace artists from both continents working in new media, and presented landmark exhibitions such as “On the Move” (1964), the first US exhibition of kinetic art; “Lights in Orbit” (1967), a major US survey of art using moving light; and “TV as a Creative Medium” (1969), the first-ever gallery exhibition devoted to video as an art form. In 1971, at the height of its success, Wise closed his gallery and established Electronic Arts Intermix, a foundation assisting artists and organizations working within the emerging video art movement.
Highlights of Moeller Fine Art's exhibition include Otto Piene’s Licht Ballett (1969), a chrome round table and hanging globe containing revolving lamps that project light on the walls, ceiling and floor; Heinz Mack’s Veil of Light (1964), a large sheet of aluminum hex cells that reflect light; and Billy Apple’s Unidentified Fluorescent Object [UFO] (1967), a neon light sculpture.
Reigl - Hantai - Fiedler 2012
KALMAN MAKLARY FINE ARTS
Du 12/04/2012 au 19/05/2012
Reigl - Hantai - Fiedler 2012
http://www.kalmanmaklary.com/reigl-hantai-fiedler-2012
https://www.youtube.com/watch?v=xSAzoQaAjLw
PANAMARENKO 1968 – 1998
MOELLER FINE ART
Du 12/12/2011 au 26/01/2012
Moeller Fine Art präsentiert mit PANAMAREKNO 1968-1998 zwölf, zum Teil collageartige Drucke des 1941 in Antwerpen geborenen Panamarenko, die 1998 in einer vom Künstler signierten Auflage von 100 Exemplaren erschienen sind. Die 12 Drucke setzen Panamarenkos selbstgebastelte Modelle für Flugobjekte und Fortbewegungsmittel, die in den Jahren 1968 bis 1998 entstanden sind, zweidimensional ins Bild.
Henry van Herwegen, besser bekannt als Panamarenko, hielt sein kunstversiertes Publikum über drei Jahrzehnte aktiv in Aufruhr, bis er sich 2005 öffentlich für den Ruhestand entschied. Mit seinen künstlerischen und zugleich technischen Experimenten vertrat der Antwerpener seit den Sechziger Jahren eine schwer einzuordnende Position in der zeitgenössischen Kunst, die bis heute fasziniert. Panamarenko ist zugleich Künstler, Ingenieur, Physiker, und Erfinder, dessen Vision es ist, den Menschen von der Schwerkraft zu befreien, um neue Formen des Reisens und der Bewegung zu ermöglichen. Zu diesem Zweck schuf der Künstler fantasiereiche Konstruktionen in Form von Luftschiffen, fliegenden Untertassen, mechanischen Hühnern oder rotierenden Käfern von oft monumentalen Ausmaßen, die unter anderem im Pariser Louvre und wiederholt auf der Documenta in Kassel ausgestellt wurden. Seine Modelle sind aber weit mehr als bloße künstlerische Erfindungen. Sie beruhen auf physikalischen Gesetzmäßigkeiten und demonstrieren Panamarenkos intensive Beschäftigung mit Technik, Wissenschaft und Aerodynamik.
BURKE + NORFOLK: PHOTOGRAPHS FROM THE WAR IN AFGHANISTAN
MOELLER FINE ART
Du 09/09/2011 au 25/11/2011
Moeller Fine Art is pleased to announce “Burke + Norfolk: Photographs from the War in Afghanistan,” an artistic collaboration across 130 years between John Burke and Simon Norfolk. The exhibition, which was on view at the Tate Modern from May 6 thru July 10, 2011, will be presented in its entirety by Moeller Fine Art Berlin from September 10 thru November 12, 2011, including 30 unpublished color giclee prints by Burke alongside 30 color giclee prints of Norfolk’s new pictures from Kabul and Helmand, all 51 x 38 cm (20 x 15 in.), and printed and mounted on aluminum by Norfolk. In addition, there are five 115 x 135 cm (40 x 53 in.) giclee prints by Norfolk, also mounted onto aluminium . The exhibition will be organized into three sections: city and landscapes; military bases, and portraiture.
Born in Lagos, Nigeria in 1963 and educated in England, Norfolk gave up photojournalism after he discovered his passion for landscape photography. Norfolk’s fascination for beautiful terrains and the destructive nature of war sets his pictures apart; his work is at once thoroughly researched and stunning in its detail, transcending the visual vocabulary of war. Norfolk recently discovered the work of 19th century Irish photographer John Burke, (1843?-1900) whose photographs were the first ever to be taken in Afghanistan. After applying to the British army as an official photographer, Burke paid his own way to Afghanistan, traveling through the country with a wooden 4 by 5 inch field camera. His eloquent images form an extraordinary record of the Second Anglo-Afghan War (1878-1880), giving firsthand insight into international conflicts in the Middle East, the same terrain which Norfolk explores today.
Norfolk recognized in Burke’s photographs a humane and critical eye for the British colonial project and in 2010 traveled to Afghanistan in order to follow in his footsteps. In what he terms a collaboration with his Victorian forerunner, Norfolk engaged in a kind of re-photography. The result is a series of superb photographs, which are politically charged, aesthetically beautiful and awe-inspiring. Burke’s diverse photographic output included landscapes, battlefields, archaeological sites, street scenes, portraits of British officers, and ethnological group portraits of Afghans. Rather than artificially re-staging these compositions, Norfolk identified contemporary equivalents, researching and traveling to Burke’s vantage points and developing a digital version of his wet plate technique. As the singular ‘War’ in the exhibition title implies, Norfolk’s project is in part an indictment of the unrelenting impact of conflict and imperialism on the landscape and people of Afghanistan over the past 130 years. The echoing images that result from his partnership with Burke highlight points of continuity and change from either side of the twentieth-century in the war-ravaged country. Through Norfolk’s interest, Burke, a neglected pioneer of war photography, is being brought back to life. The exhibition places both artists on equal ground, both honoring Burke’s pioneering achievements and particular resonance with the Norfolk’s present.
The work of Simon Norfolk has been exhibited at more than thirty public and private institutions worldwide. He has been awarded many prizes including the European Publishers Award for Photography, The Oliver Rebbot Award (Foreign Press Club of America), the Infinity Award (ICP, New York) and Le Prix Dialogue (Arles). His work is in major private and public collections around the world and appears regularly in The New York Times Magazine and the Guardian Weekend. Norfolk already has published three monographs. Afghanistan: chronotopia (2002) has become a landmark in contemporary photography, published in five languages and now in its second edition.
PAUL GOESCH: PHANTASTISCHE TRÄUMEREIEN
MOELLER FINE ART
Du 18/11/2010 au 28/01/2011
Moeller Fine Art Berlin is pleased to announce “Paul Goesch: Fantastical Reveries”, to take place from 19 November 2010 to 29 January 2011, with an opening reception Thursday, 18 November at 7pm. Twenty five watercolors executed between the 1910s and 1920s will be on view, including images of fantastical architecture, mask-like portraits, and religious / historical scenes.
That tragic and insular life of Paul Goesch is not at odds with his extraordinary imagination and technical ability. Born in Schwerin in 1885, Goesch was trained as an artist in Munich and an architect in Berlin. He worked in both professions before psychological instabilities prevented him from continuing and living on his own. Beginning in 1917, Goesch was admitted to a number of psychiatric clinics which granted him varying degrees of freedom to create art, which was usually fantastical or religious in nature. These minutely rendered images attest to many hours of diligent work, as well as a seemingly infinite mental stock of architectural and loosely historical imagery. In the 1920s, Goesch was a member of the artists’ associations “Die Gläserne Kette“ (The Glass Chain) and “Novembergruppe” (The November Group), alongside Lyonel Feininger, Bruno Taut, and Walter Gropius, as well as the “Arbeitsrat für Kunst” (Workers council for art). Goesch’s work was abruptly halted in 1934, when he was sent to the Psychiatric Hospital of Brandenburg at Teupitz where the Nazis inflicted forced labor on the artist. He was euthanized in 1940.
The extraordinary quality of Goesch's art, inspite of his psychiatric problems, has brought him acclaim as an outsider artist. Many of the artist’s works are included in the collection of psychiatrist and art historian Hans Prinzhorn now maintained at the University of Heidelberg. His works are also part of the collections of the Akademie der Künste in Berlin, Berlinische Galerie Landesmuseum für Moderne Kunst, Fotografie und Architektur in Berlin, the Hamburger Kunsthalle, the Centre Canadien d’Architecture in Montréal.
The gallery would like to thank the Berlinische Galerie Landesmuseum für Moderne Kunst, Fotografie und Architektur for the loan of the works by Paul Goesch and for their help in providing information about his life.
FUTURIST MASTERWORKS: BALLA - SEVERINI
MOELLER FINE ART
Du 19/10/2010 au 20/11/2010
Moeller Fine Art, New York is pleased to present a selling exhibition of works by Italian Futurists Giacomo Balla and Gino Severini.
Highlights include Paravento con linea di velocità (c. 1915), a double-sided painting presented in the form of a screen. The work was included in “The Folding Image”, an exhibition organized by the National Gallery of Art, Washington in 1983. Another work included in the National Gallery exhibition is Linea di velocità e paessaggio. In addition to being signed “Futur Balla”, the work bears the Futurist emblem of the artist on the verso.
SHADOW OF THE BOTTLE RACK: ANDRÉ RAFFRAY & CLIVE BARKER
MOELLER FINE ART
Du 16/09/2010 au 28/01/2011
FROM DAUMIER TO MATISSE: FRENCH MASTER DRAWINGS FROM THE COLLECTION OF JOHN C. WHITEHEAD
MOELLER FINE ART
Du 13/04/2010 au 14/05/2010
Moeller Fine Art is pleased to announce "French Master Drawings from the John C. Whitehead Collection," to take place in its New York gallery from April 14 to May 14, 2010. This exhibition will provide a unique opportunity to view a group of important impressionist and modern drawings by Picasso, Matisse, Gauguin, Seurat, Degas, Manet, Renoir, and Rodin, normally not on public view. An illustrated catalogue will accompany the exhibition, and will include a scholarly essay by Isabelle Dervaux, curator of modern and contemporary drawings at the Morgan Library & Museum, New York.
The Whitehead Collection is the result of a 29-year-long collaboration between John C. Whitehead and Achim Moeller. The Hon. John Whitehead has served as co-chair of Goldman Sachs, Deputy Secretary of State under George Shultz, chairman of the Federal Reserve Bank of New York, Director of the New York Stock Exchange, and until recently chairman of The Lower Manhattan Development Corporation. He is currently chairman emeritus of The Asia Society, advisory board member of The International Rescue Committee, and chairman of The Financial Services Volunteer Corps. In 2005, Mr. Whitehead published his autobiography, A Life in Leadership: From D-day to Ground Zero.
In 1972, Achim Moeller founded Moeller Fine Art Ltd. in London and moved to New York in 1984. As a leading dealer, Achim Moeller specializes in the purchase and sale of impressionist and modern masterworks. Achim Moeller also represents the Lyonel Feininger Family Trusts, and oversees the Lyonel Feininger and Mark Tobey Projects, providing certificates of authenticity, provenance research, and exhibition consultation relating to the two artists.
Together, John C. Whitehead and Achim Moeller have created an extraordinary group of French paintings, drawings, and sculpture, selections from which have recently been exhibited at The Metropolitan Museum of Art, the Musée d'Orsay, and The Royal Academy. This exhibition will provide a unique opportunity to view a group of important impressionist and modern drawings by Daumier, Degas, Gauguin, Manet, Matisse, Picasso, Redon, Renoir, Rodin, and Seurat, normally not on public view. An illustrated catalogue will accompany the exhibition, and will include a scholarly essay by Isabelle Dervaux, curator of modern and contemporary drawings at the Morgan Library & Museum, New York.
FEININGER IN THE HARZ
MOELLER FINE ART
Du 16/11/2009 au 08/01/2010
Moeller Fine Art Berlin presents "Feininger in the Harz," an exhibition
showing works from the travels of Lyonel Feininger (1871–1956) to Braunlage.
The drawings, more than 75 in number, show the path-breaking inspiration
that his voyages during the summer months of 1917 and 1918 provided for the
artist's work. These unique drawings and the woodcuts based on them, after
having been exhibited at the Lyonel-Feininger-Galerie in Quedlinburg, will
for the first time be on view in this breadth at Moeller Fine Art. The exhibition
will be accompanied by a series of historical documents and information
about the artist that illustrate both the context and the importance of these
journeys in his overall oeuvre.
The works from these two years are striking in their stylistic variety
and expressive power. On the one hand, Feininger captures what he sees
with an almost meticulous precision, on the other hand the motifs serve
as a foundation for transient fugal spatial compositions. Furthermore,
the drawings from 1917 and 1918 impressively document a striking change
in Feininger's artistic expression. While the nature sketches from 1917
show subtle pencil strokes with rich contrasts and cubistic form, the
works from the summer of 1918 exhibit very little nuanced shading, rather
achieving their effect through their powerful two-dimensional quality.
Not coincidental is a strong formal proximity of these drawings to the
medium of the woodcut. Feininger began at the latest by May 1918 with
woodcutting and intended to work in Braunlage "eagerly" with this technique,
new for him at the time. By the end of the year 1918, he had cut a total
of 117 woodblocks that often show motifs from the Harz region.
The scope of the drawings in their radical shift is unique in this density
in Feininger's work. Together with the highly interesting interactions
between woodcut and drawing, the works impressively show the explorations
of the artist in terms of the construction of space. His summer stays in
Braunlage were not only foundational for Feininger's print work, but above
all for his painting.
LYONEL FEININGER & MARK TOBEY: YEARS OF FRIENDSHIP 1944 - 1956
MOELLER FINE ART
Du 11/10/2004 au 23/11/2004
